Sophie Yatesの演奏によるヘンデルの鍵盤曲をＮＭＬで聴いてみました。Vol.2では組曲No.1～5を、Vol.3ではNo.6～9を聴くことができます。
ヘンデルはJ.S.バッハやドメニコ・スカルラッティと同年の1685年に生まれています。スカルラッティはホロヴィッツに限らず、ピアノ奏者が時々取り上げる作家ですから少しは馴染みがあるのですが、考えてみるとヘンデルの鍵盤曲など私はさっぱりです。ヘンデルの諸作品を聴きながら気付きます。Yatesが良いとか言う以前に、私は古楽どころかヘンデルが何者であったのかさえ知らないことに。
第５番ホ長調(HWV 430)の終曲は「調子の良い鍛冶屋」として有名ですが、変奏曲としては少し単純。むしろ短調の曲に魅力を感じます。特に第７番ハ短調(HWV 432)の終曲のPassacaille（パッサカリアの主題と３つの変奏）は、かなり激しい調子となり鍵盤を駆け巡り、聴いていてドキドキします。重層的な音符の重なりは、オルガン的な雰囲気さえ漂わせ感動的でさえあります。
Sophie YatesのクラヴサンをＮＭＬでもう少し聴いてみました。
これもラモーのクラヴサン集です。Yatesの芳香が充分に伝わってきます。Suite in AのGavotteは平易で可憐なテーマの変奏曲になっています。レースが連なっているかのようなフレーズは繊細にして華やかで、そして少し哀しい。むせ返るくらいの華麗なる音符に彩られて、最後は激しいまでに変奏してゆく様はなかなか圧巻で、何度も繰り返して聴いてしまいます。最後のLa Dauphine in G minorも短い曲ながらキリリとした一品。どの曲もそうですが、どうしてラモーはこんなに切迫した音楽を描いたのでしょう。
ラモーに比べるとＬ．クープランは悪くはないんだけど、聴いていてちょっと飽きてしまうところがあるかな･･･。というか、余りにも気持ちよくて、そのまま眠ってしまいました（＿ ＿）ZZzzz...
Yatesのクラヴサンは、ヘンデルのセットもCHANDOSから供給されているようで、確かにこれはキリがありません。
当然、建築学会などは保存を要望していましたが、取り壊され左のような「断片」が別館として免罪符的に残されて現在に至ったわけです。
私は過去の老朽化した建物をむやみに保存するという立場には与しませんが、経済効率を全面肯定した破壊と再生にも疑問を感じています。この建物がどういう経緯で黒川氏の設計となったかは分かりませんが、いずれにしても自ら収蔵作品を持たないというコンセプトで国内最大級の展示場（１４，０００㎡）を有する壮大な建物が出来上がりました。
1月21日（日）～3月19日（月）にかけて「黒川紀章展 -機械の時代から生命の時代へ-」という展覧会も開催されており彼の作品を振り返ることができます。
その中で黒川氏は、自らの代表作である「ソニータワー大阪」が建築家 大江匡氏の計画で建替 えられることに対し、「本気か！」と訴えています。展覧会入ってすぐに、建物の写真とともに、とてつもない大きさのキャッチ（文字）が目に飛び込みますので、事の次第を予め知ってはいても、かなりドキリとします。「国立」の名の下の企画展で個人名指しでの批判は、かなりのものです。
中銀カプセルの構想をオフィスビルに（ショールーム）として展開した重要な作品であったが、取り壊され建築家大江匡氏が新計画をつくっていると聞いている。 本気か！
黒川氏は相当怒っているようです。展覧会出口では紋付ハカマ装束に日本刀を携えて来館者を睨んでいます。
私は黒川氏の建築に共感したことは、ほとんどありませんし、いわゆる彼らの唱えたメタボリズム建築も、ちっとも良いとは思いませんので、解体されることも時代の流れかなという気はします。彼の作品に「都市文化遺産」としての価値があるとしたら、それはコンセプトにおいてであるように思えるのです。メタボリズム、サスティナブル建築という概念には賛同しますよ、間違ったことは言っていませんから。
そもそも、黒川氏だけに限りませんが建築家というのはムツカシイ言葉で自らの作品を語りたがります。黒川氏のキーワードは「共生の思想」「メタボリズム」「唯識思想」などなど･･･、凡人の私には何のことやらです。彼のコンセプト・ワークと出来上がった建物の落差に眩暈を覚えることもしばしばです。
だからというわけではないのですが、どうも私は凡人理解不能な言葉を吐くタイプの建築家という人種が信じられません。建築において重要なのは使い、住むことです。デジカメや車や炊飯器にコムツカイ コンセプトや哲学は不要なように、建築だけが思想にまみれているのは、建築家の傲慢を吐露するための呪文でしかないと考えるのは私だけでしょうか。写真のように「断片」を残された旧歩兵第三聯隊兵舎は（表参道ヒルズの同潤会アパートでもそうだったように）、無残としかいいようのない姿を晒しています。
バルトリが好きであるかどうかは別としても、私がヴィヴァルディについて認識を改め、そしてバルトリの凄さを知ったのは、紛れもなくYou TubeにあったAgitata da due venti（これやこれ）(*1)であったことは白状しておきましょう(*2)。
そしてこのアルバムは、バルトリがミラノの古楽器アンサンブル「イル･ジャルディーノ･アルモニコ」と共演した、まさに攻撃的にして挑発的なヴィヴァルディ集です。想像以上に刺激的な盤に仕上がっています、まさに両者の面目躍如といったところでしょうか。全く飽きさせずに最後まで聴きとおしてしまいました。
バルトリの歌唱力は、例えば最初の一曲を聴くだけでも驚愕としか書きようがありません。物凄いスピードで上下する音程、震えそして煽るかのような旋律、鉈でザクリと切り取ったかのようなキレの良さ、そして独特の存在感と太さを持った声音。別な見方をすると、かなりアクが強いと言ってもいい。聴く方にも、ある程度の許容力と体力が必要です。
しかし、一度その魅力に取りつかれてしまうと、もういけません。バルトリが良いのかヴィヴァルディが凄いのか自分でも判然としないまま、両者のかもし出す音楽はスパイラルのようにカラダ中を駆け巡ります。次第に血中ヴィバルトリ濃度が高まり、ついには脳内麻薬様物質が分泌されていくかのようです。
ヴィヴァルディは好みの旋律を使いまわすことが多かったのか、例えば１曲目などは、そのまんま「春」になっています。以前エントリした、「オリンピアーデ RV.725」のDel'aura a sussurarでも同じように使われていた旋律です。11曲目は、さながら「冬」でしょうか。
ヴィヴァルディの歌劇はスピノージの演奏などがネット上で話題なんですが未聴です。次あたりは聴いてみようとおもっています。
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先日ラモーをＮＭＬで聴いたと書いた。その後、いくつかのサイトでラモーに関する記事を目にしたのでメモしておこう。
グローバル化とか国際化という言葉が日常的な昨今において、白洲次郎が改めて読まれ再評価されているということ。ＴＶなどで紹介されることもあり、初めて白洲の素顔を知る若者達は素直に彼の生き様を「カッコイイ」と評するかもしれません。
組織に縛られず、戦後の占領下にありながらも日本人としての自らの主張を崩さなかった姿勢、飄々と生きながらも戦後政治の中に確たる足跡を残した存在感、多くの企業の会長や役員を勤め、80歳になってもポルシェを乗り回す姿･･･。確かにこんな日本人が今の世の中にいるかと。
本書は白洲正子氏が親しくしていた青柳恵介氏に「白洲語録」をまとめて欲しいとしてまとめられたもの。従って、白洲次郎の足跡を忠実に辿るというよりは、白洲次郎に親しい人たちが白洲を偲ぶというような書になっているようです。それ故に、彼に対する深い敬意とともに、ともすると伝説化あるいは神聖視の一歩手前の気配が漂います。それらを差し引いて読むならば、彼の颯爽とした素顔に触れられる思いがします。書題に「風の男」とあるように、読後に一陣の風の吹かれたような清々しさが残り共感と感動を覚えます。でもやっぱり、ちょっと「ズルイな」というヤッカミを感じることも否定できませんが。
彼のスタイル、あるいは「Noblesse Oblige」という精神は、欧米のそれであり英国留学によって養われたものででしょうが、彼にはそれを自然に行える下地がもともと備わっていたのでしょう。日本人であることの矜持を忘れないながらも日本人の枠には留まらなかったこと。日本という狭い枠だけで日本を捉えるのではなく、世界的視座において日本を位置づけ国益を主張すること、こういう姿こそ国際人であるのかと。
彼を知ることで、改めて日本人であることとか国際化ということを思い直さざるを得ません。
「国を愛する心じゃなくて、人を愛する心でしょう！ 子どもに教えなきゃいけないのは」
音楽ジャーナリスト林田さんの奥さんのお言葉にハッとする。（いまの子どもに「ゆとり」なんかない～ＬＩＮＤＥＮ日記）
余裕のある子供と、ない子供も二極化しているかもしれない。そもそも「人を愛する心」は「教えられる」ものなのか？他者へのリスペクトの欠如、貧困な社会参加意識。国益の尊重とファナティックな祖国への愛情、埋めがたい欠如感を埋めるための共同体幻想、愛国感。「人を愛する心」といったときの「人」のもつスコープ。
私は古楽ファンであったことも、更にはヴィヴァルディの音楽を好んでいたわけでもありません。従ってネット上の古楽ファンの方々が絶賛している、エンリコ・ガッティの演奏について、あれこれと述べる語彙を持ち合わせてはいません。
ある人は、店頭で視聴した途端に耳を奪われて動けなくなってしまった。。
（Sonnenfleckさん）と書いています。ということで、かなり期待して聴き始めたのですが、期待はずれが半分、期待以上が半分という交錯した感想が第一印象。
期待はずれは、私がヴィヴァルディの音楽に求めた「ヴィヴァルディ的刺激」が希薄な曲であった点。これはOp.2というヴィヴァルディ初期の作品である所以と理解、幾人かが指摘しているようにコレルリ的と言われれば、ああそういうものでしたかと合点。期待以上であった点は、今更私が繰り返すまでもないこと。ガッティの演奏の確かさと瑞々しさ、アンサンブルの快楽、音楽がヴィヴィッドでカラダの芯の深いところまで何の抵抗もなく染みわたっていくことの心地よさに浸るのみ。
「フルーティーさ」「ほのかな甘み」「可憐さ」「可愛さ」「蜜がとろりと滴るような美音」などの修辞が感想に踊っていますが、私が聴き取ったのはそういう所謂女性的な特性ではなく、音楽に立ち向かう確たる姿勢と端正さ、そして力強さであります。作品の輪郭が抒情に流れずにくっきりとしている。しかし演奏は全然堅苦しくない、アンサンブルのさざめきに乗って自在にガッティがカラフルに描き踊る。決して扇情的にならずに興奮を作り出す品の良さときたら、あちこちのフレーズで震えがくるほどです。
ああ、確かに･･･ガッティって、何だか分からないけれど「良く効く薬」みたい、あまりにも素敵かもしれない！（＞１枚しか聴いていないので判断留保、しかしiPodには即入）
西ドイツのTACETからフローリン・パウルの演奏するバッハを聴いてみました、とにかく録音が凄いと知人が強く薦める盤です。
フローリン・パウルは1958年ルーマニア生まれのヴァオリニスト、使用楽器は1968年製のストラディヴァリ。録音には西ドイツの伝説的とも言われるコンデンサ・マイク、Neumann U47が２本使われています。オーディオの比較視聴にも使われているらしい本盤。
早速、当方の貧弱な再生装置（＋ヘッドフォン）で聴いてみたのですが、確かにこれは驚きですね。ヴァイオリンの音の伸びやかさと深み、そして艶やかさが余すことなく伝わってきます。フォルテに至っても音にトゲトゲしい部分は全くありません、全く惚れ惚れするような録音です。
偏見を恐れずに書くならば、この録音の凄さはヴァイオリンの原音を忠実に再現とかいった微分的なアプローチではなく、音が連綿と繋がっていく積分的な広がりにあるように思えます。空間に響く適度なエコーが至福の音楽空間を展開します。チープな装置でも、その片鱗は伺えるようです。
本来的には、録音云々を評するような環境を有してはいませんので、この程度にて失礼。演奏は素直だと思います、とりあえずiPodに入れておくこととしました。
三連休中日。今日は溜まった新聞を読んだり、片付けをしたり、買い物をしたり、散髪に行ったり、音楽を聴いたりなどで気ままに過ごす。
NMLを聴く環境をバージョンアップさせた。といっても、安価なミニ・コンポをＰＣに繋いだだけなのだが音質は劇的に向上。通販で頼んだパーソナル・チェアも届いた、これもかなり快適。かくなる上は、更なる引きこもりライフ目掛けて一直線！てか？（＞それにしても部屋が更に狭く！）
ちなみに、Naxosが薦めるままに数枚をタラタラと聴く。
これは林田さんの推薦盤、ラターのレクイエムは本当に心洗われる。
あと山尾さんが推薦するタリスの合唱曲も聴いた。こちらも多声の合唱があまりにも心地よく、外は富士山さえ見える好天だというのに、昼間からうたた寝をしてしまった。
ラモーの作品集は《Les Cyclopes（一つ目の巨人）》が入っているもの。なぜ、今ラモーの曲なのかはここ。
ラモーのクラヴサン、ロココ趣味とはいいながらも、重く激しい、いいぢゃない、これは（＾＾；；；Cuckstonは男性的で結構激しく、Yatesは女性的で繊細にして清楚。《Les Cyclopes》もいいが、《Tambourin》なども聴き比べてみると面白い。どちらが好みかは、その時の雰囲気による、ロココイメージで聴くなら後者か？ いつか時間があったらじっくりと聴いてみたい曲集だな（＞と言いながら、二つの盤は通して聴いてしまったが）。
ところでNaxosの推薦タイトルはアクセスするたびに盤が入れ替わってしまう。もう一度聴こうと思っても、カタログ番号でもメモしておかなければ検索にかなりの時間がかかる（探しきれないこともある･･･）のが難点。推薦タイトルの林田さんや山尾さんの文章も、どうやったら再度読めるのだろう？
またプレイリストに登録しても、原盤へ１クリックでアクセスできるサービスも（何故か）提供されていない。再生した曲の個人情報をＤＢに保存しユーザーにマッチした推薦盤を提供するという機能もなさそうだ。従って、こうしてセッセと気になる曲はメモしておくしか当面はなさそうである。
新しいＣＤを買う意欲やまともなＣＤレビュを書く意欲は、いまだ減退中。
最初に絵を観たときには、もっと細密な絵を描く人であったかと思ったのに、近づいてみると、ボウボウと結構大雑把な筆致。あれ、これは思い違いであったかと一瞬落胆したものの、実はそんな技巧的なものが彼女の絵にとってモンダイではないと気付きます。
彼女の絵は、その作品に近づいているときにではなく、絵からかなり離れて鑑賞することによって、驚くべき空の輝きと深さが感知されるようにできています。会場正面に掲げられた３点の絵は、高さも間隔もマチマチに配されているのですが、これが「一体」の作品であることにも気付かされます。そうしてみると、この白く塗られた小さな個展空間そのものが、単なる絵画作品を鑑賞する場ではなく、インスタレーションの場そのものと思われてくるのです。
空間に漂う静謐さ。樹木をそして葉の一枚一枚を丁寧に描いていながらも、そこには具象を超えた抽象があり、類稀な空間表現があります。具象でありながら余計なものが削ぎ落とされた洗練、「ミニマル」な表現と解説パンフにはありますが、そんな窮屈な反復ではない、どこかスコーンと底の抜けた感じが気持を共振させます。
彼女が今回の個展に使っている画材は岩絵具。以前はドライポイントという銅版画も技法として用いていたようです。先日私は「素材はテーマや思想を規定するのか」と書きました。アクリル絵具には、画面を皮膜のように覆ってしまう感覚
があって馴染まないという日高氏。それに対する応えとして他の個展での日高氏自身の文章を以下に引用しておきましょう。
岩絵具や胡粉、特に胡粉には何か表層が呼吸している感覚があります。胡粉そのものの質感や光をキャッチする受容体ともいえるような一粒ごとの存在感が、私の感じた空間、空気や光を表現するのに適している
テーマが素材が規定するのか、素材がテーマを規定するのか、どうでもいいようなことなんですがね・・・。
◇
再び先に紹介したCHANDOSの吉松隆のアルバムから、
このアルバムは、あちこちで評価が高いようだが、クラシック音楽に馴染みのない人にも受け入れられる内容になっている。というか、これを「クラシック音楽」と評して良いものなのか、いや、「クラシック音楽」って何なのか･･･、この手の話題こそ不毛か。
《鳥は静かに》は弦楽オーケストラによる静かな音楽。静かにというくらいなので、ゆったりと抒情的な音楽が流れる。これは確かに良い･･･。武満的な晦渋さは感じない。それ故ヒーリング系とくくられてしまえば、それまでか。曲を聴いていると、それだけで救われる。
《天使はまどろみながら》も吉松的なピュアさ、イノセントさが際立つ。弦楽オーケストラの響きは怜悧にして哀しいくらいに美しい。田部のピアノは積極的には使われていないが、音楽世界にマッチする。天使の～というよりは、蒼い氷河の下で静かに溶ける水の音を聴いているかのような気に(私は）なる。
《白い風景》は弦楽オケ、チェロ、フルートそしてハープによる曲。やっぱりフルートの音色って好きだなあと思う。
いいぢゃないか、こういう曲を「好き」と言ったって。
ここまで激賞されれば入手せずばなるまい･･･
この他のサイトでも言及しているエントリがあった気がするけれど失念。
引き続き、吉松隆の音楽をNMLで聴く、本日は田部京子のピアノで「メモ・フローラ」。
テーマは宮沢賢治による。花畑（スコア）に花（メロディ）を植えてゆくというイメージ。吉松的なリリシズムが感じられるが、美しく、繊細すぎるきらいもある。特にPetals（花びら）と題された第二楽章。許容可能なギリギリの線で限りない美しさ、和音の重なり、そして静謐さ。これをどう捉えるか。美しくて何が悪いという開き直り。
谷山浩子的なピュアさを感じるというのは、大きな勘違いか。
本日はNMLで以下の曲をつまみ聴き。
ヴィヴァルディの「勝利のユディータ RV.644」は、昼休みの視聴。アリアだけを聴いている。ストーリーまだ全然理解していない。
吉松隆とネーメ・ヤルヴィとロンドン響によるブラームスは、イギリスCHANDOSによるNML１月の新着。NMLで吉松と須川の音楽を聴けとは、なんて幸せなことであろうか。
